피에르오귀스트 르누아르

생애 Life

양식과 혁신 Style & Innovation

르누아르는 인상주의 그룹 안에서 '인물'을 끝까지 포기하지 않은 화가다. 모네가 빛 자체와 풍경을 좇았다면, 르누아르는 그 빛이 사람의 살갗과 옷감, 무도회의 공기 위에서 어떻게 떨리는지를 그렸다. 그의 혁신은 야외의 어룽거리는 광선(dappled light)을 인물 위로 끌어들여 피부를 진주빛으로 빛나게 한 점, 그리고 검정을 그림자 색으로 쓰지 않고 보색의 차가운 색(푸른빛·장밋빛·연보랏빛)으로 그늘을 칠해 살결이 안에서부터 발광하는 듯한 효과를 낸 점이다. '물랭 드 라 갈레트의 무도회'(1876)나 '뱃놀이 일행의 점심'(1880~81)은 근대 도시인의 여가와 행복을 화폭 가득 담은 선언으로, '인상주의는 곧 즐거움'이라는 통념의 원천이 되었다. 이번 전시의 7섹션 서사에서 르누아르는 쿠르베의 사실주의(섹션1) 다음, '인상주의'(섹션2)의 중심에 모네·드가·피사로·시슬레와 함께 놓인다 — 빛의 해방을 인간의 얼굴과 몸으로 번역한 화가로서다. 실제로 이번 순회전의 대표 이미지(가이딩 이미지)가 바로 르누아르의 '안락의자의 여인'(1874)일 만큼, 그는 인상주의 섹션의 얼굴이다. 그러나 르누아르의 진짜 독창성은 그가 인상주의에 안주하지 않았다는 데 있다. 1881~82년 이탈리아 여행 후 그는 라파엘로와 앵그르의 견고한 선묘로 회귀했다(건조한 시기, 약 1883~87). 만년에는 다시 선을 풀어 붉고 융단처럼 따뜻한 풍만한 누드로 나아갔으니 — 이번 전시 출품작 '앉아 있는 목욕하는 여인'(c.1903~06)이 바로 그 후기 누드의 정수다. 한 화가 안에 인상주의→고전 회귀→후기 누드라는 세 번의 변신이 담겨 있어, '인상주의를 넘어'라는 전시 제목 그 자체를 르누아르 한 사람의 생애로 압축해 보여준다.

기법: 캔버스 앞에서 무엇을 볼까 Technique

르누아르의 화면 앞에서 가장 먼저 봐야 할 것은 '붓질의 종류가 부위마다 다르다'는 점이다. 살결에는 붓 자국이 거의 보이지 않을 만큼 부드럽게 문지른 깃털 같은(feathery) 터치와 젖은 물감을 젖은 물감 위에 칠하는 웨트인웨트(wet-in-wet) 기법을 써서 윤곽 없는 매끄러운 면을 만들고, 머리카락·이마의 광택·배경 잎사귀에는 짧고 도톰한 임파스토 붓질을 쓴다. 그는 도자기 화공 시절 익힌 대로 흰색 또는 밝은 색 바탕(ground)을 깔고 그 위에 얇은 색을 여러 겹 투명하게 올려, 바탕의 빛이 물감층을 통과해 되비치게 했다 — 이것이 그 특유의 '안에서부터 빛나는 진주빛 살결'의 비밀이다. 살결을 자세히 보면 복숭아·노랑·분홍에서 푸른회색·보라까지 놀랄 만큼 다양한 색이 섞여 있고, 그늘은 검정이 아니라 차가운 보색으로 처리되어 그림자조차 색으로 살아 있다. 보존과학 측면에서, 르누아르 작품의 X선·적외선 조사는 흔히 옅은 목탄 밑그림으로 비례를 잡고 그 위에 따뜻한 황토색 밑칠(underpaint)을 깔아 '빛나는 토대'를 만든 작업 순서를 드러내며, 인물의 자세나 외곽이 수정된 펜티멘토(pentimento)와 캔버스 짜임·타킹 가장자리의 변형까지 보여줄 수 있다(이번 두 출품작에 대한 개별 정밀 조사 데이터는 DIA 보존부서 자료로 확인필요). 실물 앞에서는 (1) '흰 옷의 피에로'처럼 살결은 매끈하고 의상·배경은 거친 후기 인물화의 표면 대비와, (2) '앉아 있는 목욕하는 여인' 같은 후기 누드의 융단처럼 두툼하고 붉은 화면 질감을 비교해 보라. 매끄러운 색층 특성상 르누아르의 균열(craquelure)은 비교적 미세하고 그물처럼 고른 편이며, 측면에서 빛을 받아 보면 물감층의 두께 차이와 차분한 광택이 드러난다. 살결의 매끄러움과 배경의 거친 붓질이 한 화면에서 만나는 '대비'가 르누아르를 보는 핵심이다.

대표작 깊이 보기 Key Works

단순 지식으로는 알기 어려운 이야기 Behind the Canvas

다른 작가·사조와의 연결 Connections

르누아르는 글레르 화실에서 만난 모네·시슬레·바지유와 함께 인상주의를 일구었다(이번 전시 섹션2에서 모네·드가·피사로·시슬레와 나란히 선다). 그러나 1881~82년 이탈리아에서 라파엘로·앵그르의 고전 선묘에 매료돼 '인상주의의 위기'를 겪으며, 섹션3의 세잔이 택한 '구조로의 회귀'와도 통하는 길을 갔다 — 세잔과 르누아르는 1880년대에 실제로 함께 작업하기도 한 친구였다. 르누아르의 따뜻한 색채와 인물 중심성은 훗날 마티스(섹션5)의 색채 해방과 피카소(섹션6)의 초기 인물화에까지 자취를 남겼다. 같은 전시에서 쿠르베의 견고한 사실주의(섹션1)→르누아르의 빛(섹션2)→세잔의 구조(섹션3)로 이어지는 흐름 속에서, 르누아르 한 사람의 생애(인상주의→고전 회귀→후기 누드)가 전시 전체의 축소판처럼 읽힌다. 또한 '흰 옷의 피에로'의 모델이 된 아들 장 르누아르를 통해 회화와 영화라는 두 예술이 한 가문에서 이어진다.

흥미로운 사실 Did You Know