앙리 마티스

생애 Life

양식과 혁신 Style & Innovation

마티스가 미술사에 일으킨 혁명은 한 문장으로 요약된다 — 그는 색을 '사물의 묘사'라는 의무에서 풀어주었다. 그 이전까지 색은 '나뭇잎은 초록, 살은 분홍'이라는 국소색(local color)의 노예였다. 마티스는 색을 자율적 표현 수단으로 만들었다. 얼굴에 초록 띠를 긋고 그림자를 붉게 칠한 것은 그렇게 보여서가 아니라, 그 색이 화면 안에서 만들어내는 균형과 감정이 그렇게 요구했기 때문이다. 그는 "표현은 인물의 얼굴이나 격렬한 몸짓에 있지 않다. 표현은 내 그림의 배치 전체 — 인물이 차지하는 자리, 그 둘레의 빈 공간, 비례 — 모든 것이 제 몫을 하는 데 있다"고 썼다(『화가의 노트(Notes d'un peintre)』, 1908). 색면(色面)·평면성·장식적 리듬·아라베스크가 그의 어휘였고, 후기에는 가위로 색종이를 오려 '드로잉(형태)'과 '회화(색)'를 한 번의 동작으로 합쳐버린 컷아웃까지 발명했다.

이 전시의 7섹션 서사 속에서 마티스는 다섯 번째 장(章) '야수주의 — 색채의 해방'의 주인공이다. 쿠르베의 사실주의(1섹션)에서 출발해 인상주의의 빛(르누아르·드가, 2섹션), 후기인상주의의 감정과 구조(반 고흐·세잔, 3섹션), 상징주의(4섹션)를 거쳐 온 관객은, 마티스에 이르러 색이 마침내 자연의 모방이라는 마지막 사슬을 끊는 장면을 목격한다. 실제로 마티스 자신이 집에 세잔과 반 고흐를 걸어두고 그것을 자양분 삼았으니, 3섹션은 마티스의 직접적 전사(前史)다. 그리고 그의 색 실험은 곧장 6섹션 피카소·브라크의 입체주의(형태의 해체)로, 다시 7섹션 칸딘스키의 추상('흰 형태를 위한 회화 연구', 1913)으로 이어진다. 마티스와 피카소는 흔히 20세기 미술의 양대 축으로 불린다 — 한 사람은 '색'으로, 다른 한 사람은 '형태'로 회화를 재발명했다. 둘은 1906년 거트루드 스타인의 살롱에서 처음 만나 평생 라이벌이자 가장 깊이 서로를 이해한 동료가 되었다. DIA가 1922년 같은 해에 '미국 미술관 최초'로 마티스 '창문'과 반 고흐 '밀짚모자 자화상'(1887)을 사들인 사건은, 이 전시가 보여주는 모더니즘 컬렉션의 선구적 안목을 상징한다.

기법: 캔버스 앞에서 무엇을 볼까 Technique

마티스의 캔버스 앞에서는 '무엇을 그렸나'보다 '색면이 어떻게 짜여 있나'를 먼저 보아야 한다. 첫째, 색면(color plane). 그는 색을 넓고 평평하게, 붓 자국이 두드러지지 않게 칠해 화면을 장식적 평면으로 만들곤 했다. 인상주의의 자잘한 점·터치와 달리 마티스의 색은 종종 윤곽선으로 둘러싸인 '넓은 들판'처럼 펼쳐진다. 둘째, 보색 대비. 빨강 옆의 초록, 파랑 옆의 주황을 나란히 놓아 색이 서로를 밀어내며 진동하게 만든다. '창문'(1916)에서 마티스 자신이 "그림은 초록과 흰색에 몇 군데 강조 — 물망초의 파랑, 양탄자 지그재그의 빨강, 그리고 빨간 탁자"라고 설명했듯이, 차분한 면들 사이에 박힌 소수의 강한 색점(파랑·빨강)을 찾아보라.

둘째, '고쳐 그린 흔적'을 찾아라. 마티스는 즉흥의 천재처럼 보이지만 실은 끝없이 고친 화가였다. 그는 같은 화면을 몇 달씩 긁어내고 다시 칠했으며('큰 기대 누드(Large Reclining Nude / Pink Nude)'(1935, 볼티모어 미술관)는 22장의 사진으로 수정 과정을 기록했다), 보존과학(X선·적외선 reflectography)으로 그의 그림 아래에서 사라진 인물·다른 구도가 자주 드러난다(MoMA '붉은 화실' 연구가 대표적). 1916년 전후 '엄격하고 실험적인 시기'의 작품은 회색·검정·청록을 강하게 쓰며 두텁게 다시 칠한 부분이 많으므로, 실물에서는 표면을 비스듬히 보며 이전 물감층의 융기, 윤곽선을 옮긴 자국, 긁어낸 자리의 미세한 결을 살펴보라.

셋째, 매체의 물성. '창문'은 유화이지만, 마티스가 1912–13년 모로코 이후 검정을 적극 쓰기 시작한 점, 그리고 화면을 '안과 밖'으로 가르는 건축적 골조가 핵심이다. 말년 컷아웃은 조수들이 과슈로 균일하게 칠한 종이를 마티스가 가위로 단번에 오려 핀으로 고정한 것으로, 종이 가장자리의 가위 결과 겹친 색종이의 미세한 그림자가 '회화이자 조각'인 이 매체의 본질이다. 마지막으로 마티스는 작품이 벽·공간 속에서 어떻게 보이는지(배치)를 표현의 일부로 여겼으므로, 전시장에서 한 발 물러나 색면 전체의 '리듬'을 한눈에 담아보는 것이 그의 의도에 가장 가깝다.

대표작 깊이 보기 Key Works

단순 지식으로는 알기 어려운 이야기 Behind the Canvas

다른 작가·사조와의 연결 Connections

이 전시에서 마티스는 야수주의(5섹션)의 수장으로 '색의 해방'이라는 단계를 담당한다. 그의 직접적 전사(前史)는 3섹션 후기인상주의다 — 반 고흐의 감정적 색과 세잔의 색면 구조가 없었다면 마티스의 순수색도 없었다(마티스는 실제로 집에 세잔의 '세 명의 목욕하는 사람들'을 걸어두고 평생의 영감으로 삼았다). 야수주의 동료 앙드레 드랭(같은 5섹션)은 1905년 콜리우르에서 그와 함께 색의 혁명을 완성했다. 마티스의 색 실험은 곧장 6섹션 피카소·브라크의 입체주의(형태 해체)로 이어지고, 다시 7섹션 칸딘스키의 추상('흰 형태를 위한 회화 연구', 1913)이 회화를 완전히 비대상화한다. '색의 마티스 / 형태의 피카소'는 20세기 미술의 두 축으로, 1906년 거트루드 스타인의 살롱에서 만나 평생 라이벌이자 동료가 되었다. DIA 차원에서는 1922년 같은 해에 마티스 '창문'과 반 고흐 '밀짚모자 자화상'을 미국 미술관 최초로 사들인 사건이 두 작가를 한 줄로 잇는다.

흥미로운 사실 Did You Know