파블로 피카소 — 인상주의를 넘어

생애 Life

파블로 피카소는 1881년 10월 25일 스페인 남부 말라가에서 태어났다. 아버지 호세 루이스 이 블라스코는 미술교사이자 화가였고, 아들의 신동적 재능을 일찍 알아보았다. 가족은 1891년 라코루냐, 1895년 바르셀로나로 이주했고, 피카소는 바르셀로나 미술학교(라 론하) 입학시험을 어린 나이에 통과할 만큼 비범했다. 1897년 마드리드 산 페르난도 왕립아카데미에 갔으나 아카데미식 교육을 견디지 못하고 곧 발길을 끊었다. 1900년 첫 파리행으로 그의 인생이 바뀐다. 그러나 1901년 2월, 절친한 친구이자 동료 화가 카를로스 카사헤마스가 짝사랑에 절망해 권총으로 스스로 목숨을 끊은 사건이 청년 피카소를 깊은 우울로 몰아넣었다. 이 죽음의 그림자 아래 1901~1904년 '청색시대(Blue Period)'가 열린다. 파란색 일색으로 가난한 자, 눈먼 자, 매춘부, 수감자 같은 사회의 가장자리를 그렸다. 1904년 파리 몽마르트르의 '바토 라부아르(세탁선)'에 정착하고 페르낭드 올리비에를 만나면서 색조가 따뜻해지는 '장미시대'(1904~1906)로 넘어간다. 광대·곡예사가 등장하고, 거트루드 스타인 남매 같은 후원자가 생겼다 — 이번 디트로이트 걸작전의 '광대의 머리'(1905)가 바로 이 장미시대의 산물이다. 1907년 그는 미술사를 둘로 가른 '아비뇽의 여인들'을 그린다. 아프리카·이베리아 가면의 영향 아래 여인들의 얼굴을 가면처럼 깨뜨린 이 작품으로 입체주의의 문이 열렸고, 조르주 브라크와 함께 분석적 입체주의(약 1909~1912), 종합적 입체주의(약 1912~1919, 콜라주·파피에 콜레)를 발명했다. 두 사람은 "함께 밧줄로 묶인 등반가" 같았다고 회고했다. 1차 세계대전 후 1918년 발레리나 올가 코클로바와 결혼하고 1920년대에는 고전적 인체로 돌아간 신고전주의를, 이후 초현실주의를 거치며 1927년 만난 연인 마리테레즈 발테르를 모델로 한 곡선의 향연을 펼쳤다(디트로이트 소장 '책 읽는 소녀' 1938이 이 계열에 인접). 1937년 스페인 내전 중 게르니카 폭격에 대한 분노로 거대한 흑백 벽화 '게르니카'를 완성, 20세기 반전미술의 정점을 찍었다. 평생 회화·조각·판화·도자·무대미술을 넘나들며 방대한 작품을 남긴 그는 1973년 4월 8일 프랑스 무쟁에서 91세로 세상을 떠났다.

양식과 혁신 Style & Innovation

피카소의 혁명은 단 한 문장으로 요약된다 — 그는 "우리가 사물을 한 시점에서 본다"는 르네상스 이래 약 500년의 약속을 깨뜨렸다. 입체주의 이전 회화는 창문이었다. 화가는 한자리에 서서 한순간을 한 눈으로 본 장면을 정직하게 옮겼다. 피카소와 브라크는 이 단일 시점을 폐기했다. 한 사물을 정면·옆면·위에서 동시에 본 조각들로 분해해 한 화면에 겹쳐 놓았다(분석적 입체주의). 이어 신문지·벽지·악보를 캔버스에 붙여 '재현된 현실' 대신 '현실의 파편 자체'를 화면에 들여놓는 콜라주·파피에 콜레를 발명했다(종합적 입체주의). 이는 회화가 세계를 비추는 거울이 아니라, 스스로 만들어진 하나의 사물이라는 선언이었다 — 추상미술과 현대미술 전체가 여기서 갈라져 나왔다. 이번 전시의 7섹션 서사에서 피카소는 6번째 '입체주의' 섹션의 주역으로, 마티스(5섹션·야수주의=색채의 해방)가 색을 풀어준 다음 형태를 해체하는 결정적 한 걸음을 맡는다. 쿠르베의 사실주의(1)→인상주의의 빛(2)→후기인상주의의 감정과 관점(3)→상징주의(4)→마티스의 색(5)→피카소의 형태 해체(6)→표현주의·추상(7)으로 이어지는 흐름의 가장 급진적인 분기점이 바로 피카소다. 주목할 점: 이번 전시는 피카소 한 명에게 6점을 배정해 화풍의 변천사 자체를 보여준다(장미시대 1905 → 입체주의 1909·1915 → 신고전주의 1923 → 후기 1938·1940). 즉 관람객은 '입체주의의 발명가'만이 아니라, 평생 끊임없이 자기를 부수고 다시 만든 한 인간의 궤적 전체를 한 방에서 따라갈 수 있다. 서울 전시 연출(거울 배치 등)의 구체 내용은 공식 자료로 확인필요.

기법: 캔버스 앞에서 무엇을 볼까 Technique

피카소는 70여 년간 기법을 끊임없이 바꿔, '하나의 붓질'로 그를 규정하는 것은 불가능하다. 그러나 이번 전시의 작품들을 따라가면 그 변화를 눈으로 짚을 수 있다. 장미시대 '광대의 머리'(1905) 같은 초기작에서는 청색시대의 차가운 단색조를 벗고 따뜻한 분홍·황토색이 들어오며, 형태는 여전히 또렷한 윤곽선으로 단순화된다 — 인상주의의 부산한 임파스토와 정반대로 면이 평평하고 윤곽이 분명한 점에 주목하라. 입체주의기(1909·1915)에는 갈색·회색의 절제된 색조로 대상을 작은 면들로 쪼개고, 화면이 거의 부조처럼 얕은 공간감을 갖는다. 후기 '책 읽는 소녀'(1938)에서는 정반대로, 또렷한 윤곽선이 보라·파랑·녹색의 색면을 분할하고 정면 얼굴과 측면 얼굴이 한 머리에 공존한다. 캔버스 앞에서 '어느 각도에서 본 코·눈·입인가'를 하나씩 짚어보는 것이 핵심 감상법이다. 보존과학이 밝혀낸 가장 극적인 사실은 청색시대에 집중된다: 돈이 없던 피카소는 캔버스를 자주 재사용했다. 2014년 워싱턴 필립스 컬렉션의 '푸른 방(The Blue Room)'(1901)을 X선·적외선 reflectography로 분석하자 그림 아래에 나비넥타이를 맨 한 남자의 초상이 드러났고, 클리블랜드 미술관의 '인생(La Vie)' 아래에서도 이전 구상과 여러 차례의 수정(펜티멘토)이 확인됐다. 따라서 피카소 작품 앞에서는 표면의 미세한 균열(craquelure), 가장자리에 비치는 다른 색층, 붓질의 불일치를 유심히 보면 그 아래 잠든 또 다른 그림을 상상할 수 있다(이번 전시 출품작 각각의 X선 결과는 본 자료에서 확인필요).

대표작 깊이 보기 Key Works

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책 읽는 소녀
1938
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Girl Reading · 책 읽는 소녀이번 전시 출품DIA 소장
1938 · 캔버스에 유채 (Oil on canvas) · Detroit Institute of Arts (현재 로마·서울 순회 출품) · 출처

왜 중요한가

서울 보도가 피카소 대표작으로 거듭 강조한 작품이자, 로마 순회전 자료가 명시한 6점의 피카소 중 하나(이번 전시 출품 확정). 게르니카(1937)를 그린 바로 다음 해에 제작되어 후기의 그래픽적 강렬함을 보여준다. DIA는 '소녀가 든 책은 지식·침묵·사색의 상징이며, 폭력과 혼란의 시대에 대한 저항'이라는 취지로 설명한다(공식 캡션 원문 확인필요).

👁 감상 포인트 — 이렇게 보세요

또렷한 윤곽선으로 분할된 보라·파랑의 색면, 장밋빛 뺨과 칠흑 같은 머리카락. 한 머리 안에 정면 얼굴과 측면 얼굴이 공존하는 '다시점' 처리. 책을 짚은 매니큐어 칠한 손, 보라·파랑 무늬의 블라우스, 어깨 위로 묘하게 걸쳐진 철제 의자, 장식 없는 흰 방. 평면적이면서도 장식적인 구성을 따라가며 '어느 각도에서 본 이목구비인가'를 하나씩 짚어보라. 모델은 연인 마리테레즈 발테르로 흔히 알려져 있다(특정 확정 여부 확인필요).

비하인드 스토리

1938년은 피카소가 마리테레즈 발테르와 도라 마르 사이에서 복잡한 관계('환승연애'로 한국 언론이 표현)에 있던 시기로, 두 여인을 소재로 한 여러 초상이 제작됐다. 이 작품은 뉴욕 화상 J.K. 탄하우저(Justin K. Thannhauser)를 거쳐 헨리 포드의 외손녀이자 디트로이트 자동차 가문의 조세핀 F. 포드(Josephine F. Ford)가 1957년 1월 26일 구입했고, 2005년 그의 유산(estate)에서 약 1500만 달러 상당의 피카소·마티스·르누아르 작품과 함께 DIA에 기증됐다(크레디트라인 'Gift of the Josephine F. Ford Estate', 소장번호 2005.60).

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광대의 머리
1905
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Head of a Harlequin · 광대의 머리이번 전시 출품DIA 소장
1905 · 캔버스에 유채 (Oil on canvas) · Detroit Institute of Arts (현재 로마·서울 순회 출품) · 출처

왜 중요한가

로마 순회전 자료가 명시한 6점의 피카소 중 하나로, 우울한 청색시대를 벗어난 '장미시대'(1904~1906)를 대표한다. 광대·곡예사라는 장미시대의 전형적 주제이자, 한 천재가 어떻게 색을 차갑게 닫았다가 다시 따뜻하게 열었는지를 보여주는 전환점. DIA가 근대 컬렉션의 토대인 로버트 허드슨 태너힐 유증(1969년 사망, Bequest of Robert H. Tannahill, 소장번호 70.191)으로 소장한 컬렉션의 대표 명작 중 하나다.

👁 감상 포인트 — 이렇게 보세요

청색시대의 차가운 파랑이 물러가고 들어온 따뜻한 분홍·황토색. 광대(할리퀸) 특유의 우수 어린 표정과 단순화된 형태. 작은 화면이지만 윤곽선이 또렷하고 면이 평평하다 — 인상주의의 두껍고 부산한 붓터치와의 대비를 느껴보라.

비하인드 스토리

장미시대 피카소는 몽마르트르의 메드라노 서커스를 자주 찾아 광대·곡예사를 화폭에 담았다. 할리퀸은 피카소가 평생 자신과 동일시한 분신적 캐릭터로, 즐거움과 우수를 동시에 지닌 이중적 존재다. 이 그림은 파리의 마담 자크 두세(Mme. Jacques Doucet) 소장을 거쳐 1937년 뉴욕 자크 셀리그만 화랑이 입수했고, 1939년 로버트 허드슨 태너힐이 구입했다. 태너힐은 디트로이트 백화점(허드슨) 가문 출신의 수집가로, 1969년 사망 시 557점을 DIA에 유증해 세잔·반 고흐·고갱·드가·쇠라·마티스·피카소 등 이 전시의 근대 컬렉션 골격을 이뤘다.

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우울한 여인
1902
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Melancholy Woman · 우울한 여인DIA 소장
1902 · 캔버스에 유채 (Oil on canvas) · Detroit Institute of Arts · 출처

왜 중요한가

피카소 청색시대(1901~1904)를 대표하는 DIA 소장 명작(소장번호 70.190, 태너힐 유증). 단, 로마 순회전 출품 6점 목록(1905·1909·1915·1923·1938·1940)에는 포함되지 않아 이번 52점 순회전 출품작은 아닌 것으로 보인다. 그럼에도 DIA의 피카소 청색시대를 이해하는 핵심작이라 참고로 둔다.

👁 감상 포인트 — 이렇게 보세요

(DIA 상설 컬렉션·이번 순회전 미출품 가능성 높음) 파랑 일색의 단색조 화면, 거의 임파스토 없이 평평하고 균질한 표면. 인물을 감싸는 무거운 청색 윤곽선과 엘 그레코식으로 길게 늘어진 형태. 푹 꺼진 눈, 아래로 향한 시선, 모아 쥔 손이 만드는 닫힌 삼각형 구도.

비하인드 스토리

청색시대는 1901년 친구 카를로스 카사헤마스의 권총 자살로 촉발됐다. 피카소는 파리 생라자르(Saint-Lazare) 여성 감옥/병원을 방문해 수감된 여인들(다수가 매춘부였고 일부는 병을 앓았다)을 관찰했고, 그 절망과 연민이 청색시대 여인 연작의 직접적 원천이 됐다. 태너힐이 일찍 구입해 1970년 DIA에 유증했다(구입 연도 확인필요).

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앉아 있는 여인
1940
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Seated Woman · 앉아 있는 여인출품 추정DIA 소장
1940 · 캔버스에 유채 (Oil on canvas) · Detroit Institute of Arts (현재 로마·서울 순회 출품 후보) · 출처

왜 중요한가

로마 순회전 자료가 명시한 6점의 피카소 중 하나(이번 전시 출품 가능성 높음). 게르니카(1937) 직후 후기 초상으로, 게르니카의 그래픽적·표현적 강렬함을 작은 초상에 응축한다. 책 읽는 소녀(1938)와 같은 시기의 또 다른 여인 초상으로, 형태 변형이 더욱 격렬하다.

👁 감상 포인트 — 이렇게 보세요

(DIA 소장, 소장번호 57149 — 확인필요) 날카롭게 분절된 얼굴, 정면과 측면이 충돌하듯 결합된 두상, 강한 윤곽선과 대비되는 색. 1930년대 말~40년대 초 피카소 특유의 '왜곡된 여인 초상'의 격정을 느껴보라.

비하인드 스토리

1940년은 나치가 파리를 점령한 해로, 피카소는 점령기 파리에 남아 작업을 계속했다. 이 시기 여인 초상들은 도라 마르 등 연인을 모델로 하되 시대의 불안과 긴장이 형태 왜곡으로 드러난다(이 작품의 구체 모델·정황은 확인필요).

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아비뇽의 여인들
1907
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Les Demoiselles d'Avignon · 아비뇽의 여인들
1907 · 캔버스에 유채 (Oil on canvas) · Museum of Modern Art, New York (참고용·본 전시 미출품) · 출처

왜 중요한가

이번 전시에는 나오지 않지만, 피카소를 이해하려면 반드시 알아야 할 '미술사를 둘로 가른' 작품. 아프리카·이베리아 가면의 영향으로 여인들의 얼굴을 깨뜨려 입체주의의 문을 열었다. 전시장의 장미시대·입체주의 작품들 사이에서 이 작품을 머릿속에 두면, 1905~1915년 피카소의 도약이 얼마나 급격했는지 가늠된다.

👁 감상 포인트 — 이렇게 보세요

(뉴욕 MoMA 소장, 본 전시 미출품) 다섯 여인의 가면 같은 얼굴, 깨진 공간, 단일 시점의 붕괴. 전시에서는 직접 볼 수 없으나 도판으로 비교 감상하면 좋다.

비하인드 스토리

발표 당시 동료 화가들조차 충격을 받았고, 마티스는 분노했다고 전한다. 제목의 '아비뇽'은 프랑스 도시가 아니라 바르셀로나의 사창가 거리(Carrer d'Avinyó)를 가리킨다는 설이 정설로 받아들여진다.

단순 지식으로는 알기 어려운 이야기 Behind the Canvas

01전시는 피카소 한 명에게 6점을 배정했다

이번 디트로이트 걸작전은 단일 작가로는 이례적으로 피카소에게 6점을 할애해, 장미시대(광대의 머리 1905)→입체주의(파야레스 초상 1909·아니스 델 모노 병 1915)→신고전주의(안락의자의 여인 1923)→후기(책 읽는 소녀 1938·앉아 있는 여인 1940)로 이어지는 화풍 변천사 자체를 한 흐름으로 보여준다. 한 사람이 평생 몇 번이나 자기를 갈아엎었는지를 한 방에서 따라갈 수 있다(6점 목록은 로마 순회전 자료 기준, 서울 공식 출품목록 원문 대조는 확인필요).

02'책 읽는 소녀'를 그릴 때 그는 두 여인 사이에 있었다

1938년 피카소는 마리테레즈 발테르와 도라 마르 사이에서 복잡한 관계에 있었고, 한국 언론은 이를 '환승연애'에 빗대 소개했다. DIA는 소녀가 든 책을 '지식·침묵·사색의 상징, 폭력과 혼란의 시대에 대한 저항'이라는 취지로 설명한다 — 게르니카 직후의 작품이라는 점과 맞물린다(공식 캡션 원문 확인필요).

03청색시대는 '가난'이 만든 색이었다

청색시대 피카소는 끼니를 걱정할 만큼 가난했고, 추운 다락방에서 난방용으로 자기 데생을 태웠다는 일화가 전한다. 물감을 아끼려 파랑(프러시안 블루 계열) 한 가지를 묽게 풀어 쓰는 단색조 기법은 가난이 강제한 선택이기도 했다(일화의 일부는 후대 회고·전설적 성격, 확인필요).

04그림 아래 숨은 또 다른 그림

돈이 없어 캔버스를 재사용한 탓에 청색시대 작품 아래에는 다른 그림이 숨어 있는 경우가 많다. 2014년 워싱턴 필립스 컬렉션 '푸른 방(The Blue Room)'(1901)을 X선·적외선으로 분석하자 나비넥타이를 맨 남자의 초상이 드러났고, 클리블랜드 '인생(La Vie)' 아래에서도 이전 구상이 확인됐다.

05브라크와 함께 '밧줄로 묶인 등반가'

입체주의를 발명하던 약 1908~1912년, 피카소와 브라크는 거의 매일 서로의 작업실을 오가며 누가 무엇을 먼저 했는지조차 구분하기 어려운 공동작업을 했다. 브라크는 훗날 두 사람이 '같은 밧줄에 함께 묶인 등반가' 같았다고 회고했고, 둘은 서명을 자제해 작품 구분이 어려운 시기도 있었다.

실물 앞에서의 체크포인트

이번 전시의 피카소 6점은 '한 작가의 변천사'로 읽어야 한다. 광대의 머리(1905·장미시대)에서 책 읽는 소녀(1938)·앉아 있는 여인(1940)까지 연도순으로 동선을 짜면, 색을 닫았다 열고 형태를 깨뜨려 가는 한 천재의 35년 궤적이 한눈에 들어온다.
장미시대 '광대의 머리'(1905) 앞에서는 따뜻한 분홍·황토색을 확인하라. 인상주의의 두껍고 부산한 임파스토와 정반대로, 윤곽선이 또렷하고 면이 평평하다 — 빛의 화가들과 의도적으로 반대편에 선 화면임을 느껴보라.
후기작 '책 읽는 소녀'(1938)에서는 '한 얼굴 안의 두 시점'을 찾아라. 정면 얼굴과 측면 얼굴이 한 머리에 공존하는지, 코·눈·입이 각각 어느 각도에서 본 것인지 하나씩 짚어보라. 이것이 입체주의가 후기 초상으로 녹아든 방식이다.
윤곽선과 색면의 관계를 보라. 후기 피카소는 또렷한 검은 윤곽선으로 보라·파랑·녹색의 색면을 분할한다. 마티스(5섹션)가 색을 풀어준 다음, 피카소가 그 색을 '형태의 조각'으로 재배치하는 흐름을 의식하며 보면 전시의 서사가 살아난다.
표면의 균열(craquelure)과 가장자리 색층을 가까이서 살펴, 캔버스 재사용·수정의 흔적을 상상하라. 특히 초기작일수록 표면 아래 다른 그림이 잠들어 있을 가능성이 높다.
마티스(5섹션)와 피카소(6섹션)를 짝지어 동선을 짜라. 색의 해방(마티스) 다음에 형태의 해체(피카소)가 오는 전시 서사 속에서, 두 라이벌이 20세기 미술을 어떻게 양분했는지 체감할 수 있다.
만약 상설 컬렉션에서 청색시대 '우울한 여인'(1902)을 떠올린다면(이번 순회전 미출품 가능성), 출품된 1905년 광대의 머리와 비교해 단 3년 만에 색이 어떻게 차가움에서 따뜻함으로 바뀌었는지를 가늠해보라.

다른 작가·사조와의 연결 Connections

이번 전시에서 피카소는 5섹션의 마티스(색채 해방)와 6섹션 입체주의를 잇는 핵심 고리다. 마티스가 색을 자유롭게 풀었다면 피카소는 형태를 해체했고, 두 사람은 평생 라이벌이자 서로를 가장 깊이 이해한 동료였다('아비뇽의 여인들'을 본 마티스의 충격이 유명하다). 입체주의는 브라크와의 공동 발명이며, 로마 순회전에 피카소의 '파야레스 초상'(Portrait of Manuel Pallarés, 1909)·'아니스 델 모노 병'(Bottle of Anís del Mono, 1915) 등 입체주의 작품이 함께 나온다. 시대적으로 피카소의 청색시대(1901~)는 후기인상주의(3섹션·반 고흐·세잔·고갱) 직후이고, 특히 세잔의 '형태를 기하학적 골격으로 환원'한 발상이 입체주의의 직접적 토대가 되었다 — "자연을 원기둥·구·원뿔로 다루라"는 세잔의 말을 피카소·브라크가 실현한 셈이다. 7섹션의 칸딘스키(추상)와 함께 피카소는 20세기 초 미술이 '재현'에서 '구성'으로 이행하는 두 갈래(형태 해체 vs 완전 추상)를 보여준다. DIA가 이 피카소들을 소장하게 된 결정적 계기는 1970년 로버트 허드슨 태너힐 유증(광대의 머리·우울한 여인 등)과 조세핀 F. 포드의 기증(책 읽는 소녀)으로, 태너힐 유증은 세잔·반 고흐·고갱·드가·쇠라·마티스 등 이 전시의 근대 컬렉션 골격을 함께 이뤘다.

흥미로운 사실 Did You Know

피카소의 정식 세례명은 여러 단어에 달한다 — 성인과 친척들의 이름을 줄줄이 붙인 결과다(정확한 단어 수는 출처마다 다르므로 확인필요).

이번 전시는 피카소 한 명에게만 6점을 배정해, 1905년 장미시대부터 1940년 후기까지 화풍의 변천사 전체를 보여준다.

'피카소(Picasso)'는 사실 어머니 쪽 성이다. 처음엔 아버지 성 '루이스(Ruiz)'를 함께 썼지만, 더 독특하게 들리는 어머니 성만 택했다.

청색시대 그는 너무 가난해 추운 방에서 자기 데생을 난방용으로 태웠다는 일화가 전한다(전설적 성격, 확인필요).

'게르니카'를 본 게슈타포 장교가 '당신이 이걸 했소?'라 묻자 '아니오, 당신들이 했소'라 답했다는 일화가 유명하다(진위 논쟁은 있다).

입체주의 시기 그는 브라크와 거의 구분 불가능할 만큼 가까이 작업해, 누구 작품인지 헷갈리는 캔버스도 있었다.

⚖ 확인이 필요한 사항

이번 순회전(52점)의 피카소 출품은 6점이며 '광대의 머리'(1905)·'책 읽는 소녀'(1938)·'앉아 있는 여인'(1940) 등이 포함된다. — medium: 로마 아라파키스 순회전 자료(finestresullarte 등)가 6점을 명시: Head of a Harlequin(1905), Portrait of Manuel Pallarés(1909), Bottle of Anís del Mono(1915), Woman in an Armchair(1923), Girl Reading(1938), Seated Woman(1940). 서울 보도도 '피카소 6점, 1905~ 제작 화풍 변천' 및 '책 읽는 소녀'를 언급. 다만 이번 세션에서 로마/서울 원문 직접 재대조는 도구 제약으로 수행하지 못해 high에서 medium으로 하향. 서울 공식 출품목록 원문 대조 확인필요.
'우울한 여인'(1902)이 이번 52점 순회전에 포함된다. — low: 당초 브리핑은 출품 후보로 제시했으나, 로마 순회전 6점 목록(1905·1909·1915·1923·1938·1940)에 1902년작이 없어 이번 순회전 미출품 가능성이 높다. DIA 영구소장은 확실(소장번호 70.190, 태너힐 유증)하나 순회 출품 여부는 unknown으로 정정.
'책 읽는 소녀'(1938)의 모델이 마리테레즈 발테르라는 점. — medium: 1930년대 후반 발테르가 다수 초상의 모델인 것은 사실이나, 이 특정 작품의 모델 특정은 통설·추정이므로 확인필요. DIA 공식 캡션 원문 재확인 권장.
'책 읽는 소녀'의 크기 약 69.2×55.2cm. — medium: 여러 2차 자료가 27¼×21¾in.(약 69.2×55.2cm)로 표기. DIA 공식 페이지로 재확인 권장.
'책 읽는 소녀'의 DIA 소장 경위(조세핀 F. 포드 기증)와 소장번호 2005.60. — low: 포드 가문 기증이라는 큰 틀은 신뢰도 있으나, 정확한 기증 형식(유증/기증)·연도·소장번호 '2005.60'은 이번 세션에서 DIA 공식 페이지로 직접 확인하지 못함. 확인필요.
'앉아 있는 여인'(1940)의 정확한 치수와 모델. — low: DIA 소장(소장번호 57149로 추정)은 확인되나 본 리서치에서 치수·모델을 직접 확인하지 못함. 소장번호 자체도 재확인 필요.
'우울한 여인'의 치수(약 100×69.2cm 세로형). — medium: 다수 자료가 39⅜×27¼in.(약 100×69.2cm)로 표기하나, 일부 2차 자료(arthive)는 69×100cm 가로형으로 표기해 상충. DIA 공식 캡션 재확인필요.

출처 보기 (15)